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Maneggiare con cura, in fondo, dovrebbe essere un’indicazione valida per tutte le cose della vita, inanimate e vive, visibili e invisibili. Certo poi, per quelle che appartengono a categorie ufficialmente delicate, nel corpo o nell’anima, un’accortezza necessaria. Ma credo che quest’ultima categoria potrebbe allungarsi all’infinito, perché quali cose non lo sono, in fondo? Chi non se ne sente parte, anche se il proprio nome è scritto con inchiostro invisibile?

Tutto va maneggiato con cura, perché vuol dire vedere, rispettare, porre attenzione e ascolto. Quello che ciascuno di noi desidererebbe per sé, nel suo essere nel mondo.

Maura Banfo e Pierluigi Fresia si incontrano su questa riflessione nel loro progetto libero per riss(e), su questo tema che richiama a sé anche quello della fragilità, ma non esattamente coincide con esso. Nei discorsi aperti nati attorno al progetto, la condizione esistenziale come qualcosa di fragile e delicato, di precario, è venuta subito fuori, prima di tutto perché è un tema di cui Maura e Pier hanno parlato a lungo, nel tempo, pensando di realizzare un dialogo di opere e pensieri al riguardo. Poi, perché è qualcosa di connaturato al loro ricercare e fare. L’immagine, per esempio, quella che si forma nei nostri occhi umani come frammenti del ritratto del mondo e quella che, invece, viene prodotta da un obbiettivo, da uno schermo o display, è apparenza e visione effimera, manipolazione. E comunque, se si spegne la luce, o il sole passa dietro al mondo, più non è in un istante.

Così il pensiero contenuto nelle parole, che è espressione di culture e lingue, di momenti storici e geografie, di identità porose, cioè soggetto a cambiamenti in maniera sostanziale o anche solo per sfumature, mutevole per costituzione. Tutto sfugge, evolve, evapora, muore e rinasce: mentre è già non è più. I loro lavori spesso catturano questa condizione. E qui, da riss(e), si fanno fluidi, un po’ enigmatici, o enigmistici.

Maura sta vivendo una stagione in cui è tornato prepotente il segno, la mano, la china su carta, il colore. Carte e carte, e carte, su cui forme liquide, arancioni e neri, e tutte le tonalità cromatiche contenute nell’arancio e nel nero, sono esplose come i frattali di un pensiero ossessivo, i riflessi sempre diversi di un’energia tellurica repressa che sgorga, di un fare continuo che declina forme figurative che evolvono in astratte e viceversa.

Fiori che esprimono la caducità, quel colore che si addensa nel petalo ancora in formazione nel bocciolo e, quando sboccia, già tende al suo appassire. Così delicato, che due dita lo sgualciscono nel solo sfiorarlo.

Pier procede nel suo cogitare continuo, che è poetico e concettuale insieme. Una forma di scrittura iconografica che interroga e piega con lama garbata e affilata, spesso ironica, la superficie semantica dell’immagine producendo crepe di senso che ne incrinano la solidità stolida per farne uscire altre possibili significazioni, narrazioni.

Dove si sta, noi e gli altri?, si domandano.

Nelle loro opere e materiali si attua un ribaltamento: la consapevolezza della fragilità diventa un punto di forza, quella dell’instabilità un punto di equilibrio.

E se il mondo li maneggerà con cura, questa condizione risulterà il principio di adattamento migliore all’esistenza. 

 

Un archivio di migliaia di immagini in cui si declina la complessità del concetto di intoccabile – fra sacralità, immaterialità e disgusto – si presta volta per volta a nuove modalità di allestimento e lettura, mettendo così in crisi ogni presunta fissità dell’immagine, o sua semantica univocità.

a cura di Gino Di Maggio. Milano, Fondazione Mudima 6 maggio - 6 giugno 2025.

Un'opera d'arte contemporanea, diceva l'artista Luciano Fabro, riscrive tutta la storia dell'arte del passato, si lega sempre ad una genealogia rinnovandone nel presente le idee. Ale Guzzetti è stato tra i primi in Italia a dedicarsi alla relazione tra arte e nuove tecnologie, con una attenzione particolare alla nuova interazione che i dispositivi digitali ci mettono a disposizione.



Un progetto di Ermanno Cristini.

Artisti partecipanti: Cesare Biratoni, Giuseppe Buffoli, Gianluca Codeghini, Ermanno Cristini, Carlo Dell’Acqua, Gabriele Di Matteo, Serena Fineschi, Sergio Limonta, Giancarlo Norese.

“ I re non toccano le porte, non conoscono questa felicità”, osservava Francis Ponge; noi non abbiamo servitori e corti ma spesso le nostre mani sono paralizzate, atrofizzate da una realtà che ci si presenta quasi esclusivamente sotto forma di immagine. Nel regime della pura virtualità la nostra attenzione nei confronti delle cose è direttamente proporzionale alla loro visibilità. La società della trasparenza, che è appunto la società dell’immagine, ci ha fatto perdere l’attitudine a guardare, a “toccare” attraverso lo sguardo, entro un tempo rallentato, ciò che è marginale, infinitamente piccolo, apparentemente insignificante e spesso presente per il tramite di un’assenza.

La mostra dell'artista tenutasi al M.A.A.P.O di Arena Po nella primavera 2024. Una sua opera fa inoltre parte della collezione permanente del museo all'aria aperta.

Kunstbrulé (Marion Baruch, Umberto Cavenago e altri, 16 dicembre 2017, Studio di Umberto Cavenago, Brugherio - MB). Marion Baruch, Alessandro Teoldi (11 Aprile - 25 Maggio 2018, Viasaterna - MI). Abbraccio lo spazio e lo attraverso (Marion Baruch, 14 Ottobre - 28 ottobre 2018, MA*GA Gallarate - VA).

Siamo abituati a pensare a una mostra d'arte come ad un progetto chiuso e definito, dove un soggetto (il curatore o promotore) si assume il compito di scegliere a priori uno o più artisti, di individuare un tema e di creare, così, un organismo fatto e finito, pronto ad essere esibito, con una discreta sicurezza sul risultato, al pubblico. Quando, però, si esce dalle piste tracciate e ci si spinge sul terreno delle sperimentazioni culturali, i risultati possono essere sorprendenti: è l'esperienza di NoPlace.Space, una mostra-incontro, un evento sociale più che espositivo che capovolge le consuete modalità organizzative.

Qui sono raccolte alcune fotografie di architettura riprese da Videoforart in tempi e luoghi molto differenti.

La mostra - che giunge a Legnano dopo la tappa tenutasi lo scorso inverno a Palazzo Collicola di Spoleto -, curata da Emma Zanella, direttore del MA*GA di Gallarate, presenta 30 grandi opere, appartenenti alle serie più importanti dell’artista casertano, capaci di ripercorrere gli ultimi dieci anni di attività in cui Marrocco, pur privilegiando la pittura, attinge liberamente al disegno, alla fotografia, alla figurazione e all’astrazione.

Queste fotografie presentano l'edizione 2016 de Lo spirito del lago che sarà anche l'ultima. Si tratta di un esposizione collettiva a tema, ormai giunta alla 18° edizione, che si tiene a Stresa e sull'Isola Bella, nel cuore del Lago Maggiore.

Siamo abituati a pensare a una mostra d'arte come ad un progetto chiuso e definito, dove un soggetto (il curatore o promotore) si assume il compito di scegliere a priori uno o più artisti, di individuare un tema e di creare, così, un organismo fatto e finito, pronto ad essere esibito, con una discreta sicurezza sul risultato, al pubblico. Quando, però, si esce dalle piste tracciate e ci si spinge sul terreno delle sperimentazioni culturali, i risultati possono essere sorprendenti: è l'esperienza di NoPlace.Space, una mostra-incontro, un evento sociale più che espositivo che capovolge le consuete modalità organizzative.

Ci piace ricordare questa galleria - una meteora sulla scena milanese degli anni '80, con qualche fotografia.